‘La vida es sueño’ de Pedro Calderón de la Barca

Presentada por el Conaculta, INBA, Festival de México en el Centro Histórico, Sistema de Teatros de la Ciudad de México, Festival Internacional de Puebla “Héctor Azar” y Teatro de Ciertos Habitantes.

Dirección: Claudio Valdés Kuri


 

¿Qué es la vida? Un frenesí
¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción y el mayor bien es pequeño
¡Que toda la vida es sueño y los sueños, sueños son!

El hombre vive en una cueva cautivo de sueños y tinieblas, no obstante, sale de la oscuridad hacia la luz. Él cae por el pecado original, y merced al entendimiento, aunado al libre albedrío, alcanza la libertad. La vida es sueño, auto sacramental de Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600 – 1681), es un drama filosófico de origen platónico que plantea ¿Qué la vida es sueño? ¿Qué hay libertad en la vida? ¿Qué compromiso hay con la vida?

Claudio Valdés Kuri ha optado por representar el auto sacramental del dramaturgo español, redactado 40 años después de la obra original, que narraba el devenir del príncipe Segismundo de Polonia, centrado en el camino del hombre en su camino a la libertad. La diferencia entre la primera versión de La vida es sueño y la versión autosacramental es que en el trabajo segundo cobran relevancia los elementos: fuego, aire, tierra y agua, cuales figuras arquetípicas, que acompañan en su sendero al hombre primordial, de la misma manera, se rodea de otras figuras arquetípicas del saber hermético: el poder, la sabiduría, el amor, la sombra, la luz, el entendimiento y el albedrío, pero sin personajes humanos discernibles e identificables.

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La vida es sueño representa un gran logro y una profunda audacia, considerada la obra maestra de Calderón de la Barca, y surge la duda si aquellas obras magistrales, tan encomiadas en su tiempo pueden apelar, significar algo para el público actual. Por ello, sirvan las palabras del escritor y crítico literario italiano Giuseppe Pontiggia, que da luz sobre tal cuestionamiento. “A menudo me preguntan si los clásicos son actuales. El problema es si nosotros somos actuales con respecto a los clásicos. Muchas veces nosotros mismos percibimos un carácter frágil, insuficiente y aleatorio en nuestra actualidad. Damos espacio e importancia a ciertos problemas para luego descubrir su futilidad; seguimos modas y tendencias, supersticiones y creencias, experimentando luego su inconsistencia. Los clásicos hablan en cambio sobre las cosas más importantes, y las relatan mediante la belleza. Para mí, los clásicos siempre han sido un ejemplo con el cual confrontarme.” [1]

Claudio Valdés Kuri es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA, entre sus obras se cuentan Becket o el honor de Dios, De monstruos y prodigios: la historia de los Castrati, El automóvil gris, ¿Dónde estaré esta noche? y El Gallo. Kuri es director de la compañía Teatro de Ciertos Habitantes, que según su página oficial de Facebook, “se ha convertido en punto de referencia de la vanguardia teatral latinoamericana. Sus creaciones han sido coproducidas, presentadas y recibidas con enorme éxito en los más importantes festivales de los cinco continentes.” Asimismo, “sus proyectos son creados a través de largos procesos de gestación, a partir de riesgos y cuestionamientos específicos. Cada montaje explora nuevos lenguajes, como resultado de la búsqueda constante de renovación en contenido y forma. El trabajo escénico recae en el artista multidisciplinario, actor-músico-bailarín, en el uso de sus facultades a toda su capacidad. Paralelamente a sus puestas en escena, la compañía realiza proyectos educativos, sociales y ambientales, así como producciones televisivas, radiofónicas y grabaciones discográficas.” [2]

la_vida_rmm_6127bLa adaptación crea personajes genéricos y sin género, se observa a 14 actores en escena, en este sentido, la puesta coincide con el siglo XVII en tanto que en aquella centuria todos los personajes eran representados por varones. La puesta hace servir la continua evolución del teatro como canal de gestualidad, el énfasis en el cuerpo del actor, y las estructuras somáticas. Si bien el feliz casting logró seleccionar un más que competente cuerpo de intérpretes, la propuesta de Valdés Kuri enfatiza la belleza del texto barroco y las estrategias interpretativas, en pos de transmitir las alegorías místicas y alquímicas de la obra, evitando con ello el análisis psicológico de los personajes. El símbolo es el vehículo con el que los intérpretes se relacionan y penetran en la atención del público.

El tema del barroco, y acaso los barroquismos son de buen interés para el director, que en entrevista con El Universal da la clave del singular uso que da a la música regional mexicana a su montaje: “El barroco está muy presente en México, no hubo interrupción del barroco a la fecha. En Veracruz, en los sones huastecos, el verso es vivo (…). Instrumentos, géneros y una forma de cantar se quedaron en los lugares remotos, en las sierras, evolucionaron, y hoy son la dotación instrumental de nuestros grupos tradicionales. Son esta tradición barroca que no tuvo interrupción, siguió hasta nuestros días.” [3]

El siglo XVII y el XXI coinciden en el gusto por la pompa y circunstancia. El texto del siglo XVII está adaptado a la cultura visual de la ciudad de México en el XXI, en donde los sentidos demandan estímulos frenéticos e imparables. Nuestra atención, para seguir siendo tal, necesita movimientos constantes, a un ritmo vertiginoso y variado, también demanda pluralidad de cuerpos, vestidos y desnudos, canto y música, saltos y artilugios, desenfreno, energía dionisíaca, sonorizaciones, danza, novedades y artificios.

Es una labor complicada dar “relevancia”, aggiornar un texto alquímico del Siglo de Oro en 2014, y qué faena es que no parezca ni doctrina ni propaganda trasnochada al servicio de quién sabe quién.

El montaje se distingue por tratarse de un producto interdisciplinario. Los recursos utilizados son: danzas coreográficas, rítmica geométrica, entrenamiento en instrumentos musicales, entrenamiento en danzas de giro. El director recurre a la hiperactividad para mantener la tensión y, sobre todo, la concentración en lo que está sucediendo en el escenario.

En tanto al texto, éste es irremediablemente oscuro si no se cuentan con las prendas necesarias para su disección. Se recomienda por ello un acercamiento previo a la pieza calderoniana.

Ferdinando Castelli da luz sobre la riqueza y fascinación de La vida es sueño, que bien pueden aplicarse a la adaptación mexicana: “La vida es sueño está construida con los módulos del barroco. Revela preciosismos estilísticos y momentos de exuberancia inventiva. Lo barroco del drama se caracteriza, sin embargo, por la tensión y la intensidad de las escenas, por el movimiento y la fuerza de la acción dramática, por la búsqueda del contraste y lo insólito, por el elemento simbólico y alegórico.” [4]

La vida es sueño se presentó en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, en el Teatro de la Ciudad y el Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

 


 

[1] Entrevista de E. Preziosi a Giuseppe Pontiggia, consignado en Ferdinando Castelli, “La vida es sueño” de Calderón de la Barca, en Humanitas, verano 2010, vol. 15, núm. 57, p. 58.

[2] https://www.facebook.com/teatrodeciertoshabitantes/info?ref=page_internal Accesado el 15/12/15

[3] http://www.eluniversal.com.mx/cultura/2014/la-vida-es-suenio-por-primera-vez-en-auto-sacramental-1021259.html. Accesado el 15/12/15

[4] Op. cit. p. 60

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